Tendenze nel design grafico per il 2025

Le tendenze nel design grafico seguono cicli: il minimalismo segue il massimalismo, la nostalgia per il passato segue l'innovazione, il monocromatico segue il colore vivace, e così via. Il design contemporaneo del 2025 riflette una crescente tensione tra due forze opposte: il rifiuto della sterilità digitale e il ritorno all'ornamentazione.

Da un lato, si assiste a un movimento verso l'imperfezione, la texture e la tattilità. Dall'altro, elementi visivi audaci e sorprendenti stanno tornando in auge. Scopri di più sulle tendenze del design grafico attuali e quelle che potrebbero emergere nei prossimi anni.

Le principali tendenze del design grafico del 2025

I cambiamenti estetici raramente si presentano come categorie nette: gli elementi di un movimento si mescolano con quelli di un altro, e ciò che inizia come un esperimento di nicchia può rapidamente diventare un elemento di massa. Le seguenti cinque tendenze emergenti nel design grafico offrono una panoramica su dove si sta dirigendo il settore e ognuna risponde alle stesse tensioni sottostanti in modo unico.

Scarabocchio

In un mondo in cui chiunque può generare illustrazioni impeccabili con un clic, la cosa più ribelle che un designer possa fare è disegnare qualcosa di brutto. Lo scarabocchio è il rifiuto deliberato della perfezione: disegni a mano, imprecisi e spesso al limite del rozzo. Ma a differenza delle estetiche naïve o folk-art del passato, non si tratta di un fascino caldo e tattile. Non c'è una texture di pastello giocosa, né pennellate imperfette. Lo scarabocchio si inserisce in un tipo molto specifico di trascuratezza: non si tratta di uno schizzo artistico. Queste forme grezze e irregolari rifiutano la lucidità elegante a favore di qualcosa che si sente puramente istintivo, mimando la mano umana non addestrata.

Elementi chiave includono:

• Linee sciolte e tremolanti. Tratti ondeggianti e irregolari che sembrano creati in modo affrettato.
• Origine digitale. Segni digitali come scarabocchi su iPad o linee di Microsoft Paint.
• Un approccio minimalista ai layout. Schemi di colori in bianco e nero o sfondi a tinta unita per far risaltare gli scarabocchi.

L'intelligenza artificiale generativa ha raggiunto risultati notevoli nell'imitare materiali del mondo reale: dipinti a olio finti, schizzi a matita realistici, arte popolare testurizzata. Ciò con cui fa ancora fatica è la serie di segni goffi e distratti nati dalla pigrizia umana. L'IA può replicare perfettamente un disegno a carboncino, ma è più difficile farle creare qualcosa che sembri scaturito da Microsoft Paint in due secondi. Qui lo scarabocchio prospera: accenna all'immediatezza degli strumenti digitali ma combatte la loro precisione infallibile. L'effetto è diretto, non rifinito e distintamente grezzo, eccetto, naturalmente, che queste scelte sono altamente intenzionali.

Questa estetica sta emergendo in vari settori del branding e del packaging, spesso accoppiata a un minimalismo netto per aumentare il contrasto tra design curato e esecuzione deliberatamente trascurata. Il marchio di cura della pelle Radford e il marchio di bibite Good Sh*t si spingono ulteriormente in questa estetica, con logo e packaging che appaiono quasi aggressivamente poco sforzati, come disegni su un banco di scuola media, accoppiati a caratteri Sans Serif puliti e contemporanei e ampio spazio bianco per assicurarsi che il pubblico sappia che la scelta non è stata casuale.

Il lavoro dell'agenzia di design Saint Urbain per il gruppo di ristoranti Emmy Squared Pizza presenta mascotte con caratteristiche ondeggianti e sproporzionate, che ricordano un progetto di classe della scuola materna. Alex Ostroff, direttore creativo esecutivo di Saint Urbain, afferma che la tendenza è “certamente una risposta all'IA e alla volontà di avere un design che si sente inconfondibilmente umano. Il cibo e le bevande sono più personali di qualsiasi altro settore: siamo emotivamente legati ai nostri ricordi alimentari. Per Emmy Squared, il nostro cliente aveva espresso interesse per ‘strani cannibali della pizza’, e noi abbiamo semplicemente seguito questa idea. Volevamo che sembrassero qualcosa che un bambino strano avrebbe disegnato su un tovagliolo mentre si annoiava a cena con i genitori.”

Album di ritagli strutturato

I designer hanno sempre amato conservare oggetti, ma solo di recente il salvataggio di materiali è stato considerato design a tutti gli effetti, e la tendenza emergente dell'“album di ritagli strutturato” è molto un gioco da designer. È visivamente preciso, metodico e attentamente curato, e si concentra sulla preservazione di momenti e sulla raccolta di riferimenti. Elementi a pezzi e texture fisiche sono stratificati con intenzione: la carta è strappata in modo preciso e adesivi e timbri sembrano attentamente selezionati, non casuali.

Elementi chiave includono:

• Texture di carta stratificata. Bordo strappato, elementi nastro e ritagli digitali disposti con precisione.
• Grafica simile a timbri e adesivi. Timbri in stile affrancatura, decalcomanie ovali e adesivi finti che aggiungono struttura.
• Composizioni di media misti. Fusione di fotografia ed elementi disegnati a mano.

Uno degli elementi chiave che rende l'album di ritagli strutturato distintivo è l'uso di decalcomanie, timbri, adesivi e nastri, non solo come abbellimenti, ma come strumenti compositivi. Questi elementi forniscono una struttura, ancorando testo o immagini mentre aggiungono un senso di tattilità. Sigilli timbrati, affrancature fittizie e decalcomanie ovali creano una sensazione di autenticità, rafforzando l'idea che si tratta di una collezione curata piuttosto che di un collage casuale. Il nastro, sia digitale che reale, appare come un motivo visivo: talvolta nitido e grafico, altre volte traslucido e stratificato su immagini come se fosse fisicamente attaccato alla pagina.

L’identità di marca di Porto Rocha per Tudum, la piattaforma editoriale di Netflix, si immerge in un collage eclettico nel mondo digitale, fondendo materiali di stampa vintage, texture scansionate e ritagli audaci in un'estetica ad alta energia che si sente sia di archivio che contemporanea. L'album di ritagli strutturato gioca con la realtà, mescolando digitale e analogico senza soluzione di continuità per sentirsi sia attuale che senza tempo.

Minimalismo massimalista

Dopo alcuni anni di oscillazione tra il chic minimalismo degli anni 2010 e il massimalismo esplosivo post-COVID, il minimalismo massimalista cerca finalmente di trovare un equilibrio. Questa tendenza mira a catturare sia il lusso discreto che l'eccesso stravagante, facendo un'unica mossa audace ed espressiva mentre mantiene tutto il resto contenuto. Ciò potrebbe significare un logo strano e d'impatto su un packaging altrimenti spartano, uno stile di illustrazione eccentricamente unico all'interno di un sistema snello, o una foto sovradimensionata che occupa spazio mentre il resto di un design rimane netto e pulito.

Elementi chiave includono:

• Tipografia sovradimensionata e audace. Un elemento grande e sicuro come punto focale del design.
• Punti focali forti con layout contenuti. Un singolo elemento ad alto impatto bilanciato da spazio negativo.
• Stili contrastanti. Accoppiamento di caratteri grossi o decorativi con caratteri semplici.

I marchi stanno abbracciando questo approccio perché rende il minimalismo meno generico e il massimalismo più accessibile. Se un design è troppo spoglio, rischia di apparire aziendale e poco d’impatto; se è troppo affollato, aliena il pubblico. A differenza del minimalismo nudo e crudo, che riduce tutto al punto di sterilità, il minimalismo massimalista trova una via di mezzo e un equilibrio tra personalità e chiarezza. Mostra inoltre un crescente rifiuto del branding predefinito e standard. Il design sta diventando più espressivo, ma in un modo che si sente ancora controllato.

La tipografia è spesso il campo di battaglia chiave. L'ascesa dei grandi loghi e della tipografia sovradimensionata, soprattutto nel design web, dove i marchi amano inserire un logo gigante nel footer, riflette questa tensione tra contenimento ed eccesso. Il lavoro di Second Marriage Studio per Besties, un marchio di cura della pelle per adolescenti, esemplifica questo: il suo logo multicolore è forte e giocoso, ma si inserisce in un sistema semplificato, con packaging di un solo colore, carattere semplice e minima confusione visiva.

“La tendenza minimalista mi sembrava così triste,” racconta Erin Rommel, direttrice creativa di Second Marriage Studio. “Sì, sono emersi alcuni design belli e senza tempo, ma quando ogni nuovo marchio D2C aveva un carattere pulito e una palette di pastelli polverosi, ha iniziato a sembrare una mancanza di immaginazione. Lo abbiamo chiamato ‘minimalismo zombie’: i design sono diventati intercambiabili e privi di anima. La semplicità si adatta bene su uno scaffale del bagno, ma i tratti di personalità sono affascinanti, e le eccentricità sono adorabili. Non voglio eliminarle solo per non correre rischi.”

Allo stesso modo, l'identità di marca di Caleb Vanden Boom Studio per Clue Perfumery si basa su un logo espositivo strano e connesso che domina l'etichetta, mentre tutto il resto rimane pulito e contenuto. Questo tipo di design funziona perché è sicuro senza essere opprimente: una singola affermazione che risalta nello spazio.

Ipercolore

Il 2025 è una vera esplosione di colori. Palette tenui e neutri di buon gusto stanno cedendo il passo a tonalità ipersature, contrasti stridenti e combinazioni di colori artificiali, quasi radioattive. A differenza dell’audacia attentamente considerata del minimalismo massimalista, che fa un'unica grande mossa all'interno di un layout altrimenti contenuto, l'ipercolore prospera sull'eccesso. Accoppia colori che non dovrebbero funzionare insieme, spinge il contrasto ai suoi limiti e si impegna completamente in palette ad alta energia che richiedono attenzione.

Elementi chiave includono:

• Saturazione audace. Toni brillanti come verdi, viola e rosa.
• Uso ad alto impatto del colore. Lascia che la tua palette sia il punto focale del design.
• Composizioni giocose. Bilancia colori audaci con altre scelte vivaci.

Questa tendenza ha molto in comune con le palette di colori del passato: il packaging acido degli anni '80, i colori audaci delle copertine dei libri di Goosebumps e le tonalità grottesche ed esagerate delle carte da collezione Garbage Pail Kids. Anche se l'ipercolore può evocare l'infanzia, non si tratta realmente di nostalgia. Riflette piuttosto il modo in cui il colore opera nella cultura digitale contemporanea: schermi ultra-saturi, paesaggi onirici generati dall'IA e filtri sui social media che spingono le tonalità nell'iperrealtà. L'ipercolore è volume visivo come strategia di marca.

Il branding di Heyday Canning, progettato da Outline, si immerge nella tendenza dell'ipercolore con palette ricche e tono su tono che richiamano il design di metà secolo mantenendo le cose audaci, giocose e contemporanee. Nel frattempo, il lavoro di Earthling Studio per il marchio di tè freddo Halfday abbraccia colori brillanti e contrastanti per canalizzare l'energia esplosiva del branding delle bevande degli anni '90, aggiornato per il consumatore moderno e attento alla salute. E nel mondo dello sport, il paddle Invader di Brethren Design per Bread & Butter Pickleball utilizza una palette shockante di viola e verde direttamente da uno slime di Nickelodeon.

L'ipercolore è particolarmente efficace nei beni di consumo, dove il packaging deve distinguersi sia in negozio che nelle mani degli influencer. Queste palette non sono solo accattivanti: sono progettate per l'engagement. Le tonalità neon e i contrasti estremi si fotografano bene, spiccano nei feed social e prosperano nel mondo altamente visivo del marketing sui social media. Se un colore sembra un po' troppo forte sullo schermo, potrebbe essere esattamente questo il punto.

Strano storicismo

Il 1400 è tornato di moda (davvero). I designer stanno cercando ispirazione sempre più lontano nel tempo, scambiando i richiami a metà secolo e i visual retro per qualcosa di più strano, oscuro e molto, molto più antico. La tipografia Blackletter, i motivi simili ad arazzi e le decorazioni intricate stanno facendo il loro ingresso nel branding, nel packaging e nelle identità visive, creando un linguaggio di design che si sente storico ma non completamente radicato in nessuna epoca specifica.

A differenza delle estetiche ben consolidate degli anni '60, '70 e '80, questa tendenza si inclina verso riferimenti che sembrano intatti, oscuri e ricchi di simbolismo. Lo strano storicismo è tanto costruzione di mondi quanto design. Piuttosto che semplicemente prendere in prestito stili antichi, i designer stanno costruendo nuovi linguaggi visivi da frammenti del passato, remixando la storia in qualcosa di sconosciuto ma evocativo. Il risultato sono branding e identità visive che emanano storia, sia essa reale che inventata.

Elementi chiave includono:

• Tipografia blackletter e barocca. Font ispirati al gotico con dettagli ornamentali.
• Motivi densi, simili ad arazzi. Sfondi altamente decorativi con abbellimenti intricati.
• Colori scuri e tenui. Toni terrosi come marroni ricchi, verdi profondi, oro sbiadito e rossi desaturati.

Il progetto Gossip di Deborah Khodanovich e il suo carattere rendono una blackletter pixelata accanto a illustrazioni ispirate al ricamo, fondendo tradizioni tipografiche medievali con estetiche digitali. Questa tendenza si estende oltre il design grafico nella moda e negli interni, come il costume ispirato a Giovanna d'Arco di Chappell Roan agli MTV Video Music Awards 2024, le grafiche medievali del tour di Halsey e il recente aumento dei tessuti nelle decorazioni d'interni.

Parte di questo rinascimento è una reazione all'effetto appiattente delle estetiche digitali moderne. Man mano che le tendenze del design sono diventate sempre più semplificate, dominato dal minimalismo, forme geometriche, caratteri sans serif e visual generati dall'IA, c'è una crescente domanda di complessità, decorazione e un senso di tocco umano. Lo strano storicismo offre tutto questo in abbondanza. Il suo fascino risiede nella sua capacità di portare molteplici significati contemporaneamente: eredità e ribellione, permanenza e decadenza, illuminazione e oscurità.

Come incorporare le tendenze del design grafico nella strategia visiva

1. Risolvi un problema
2. Mixa e abbina
3. Allinea la tendenza alla tua strategia
4. Rendi la tendenza tua

Quali di queste tendenze rimarranno? Quali sembreranno superate entro la fine dell'anno? E come possono i designer interagirvi senza perdere la propria voce?

Seguirle tutte è il modo più semplice per rendere il tuo lavoro immediatamente datato. Invece di inseguire estetiche per il solo gusto di farlo, ecco come utilizzare le tendenze del 2025 in modo intenzionale e originale:

1. Risolvi un problema

Prima di utilizzare una tendenza, chiediti: questo elemento migliora il mio design o lo rende solo diverso? Le migliori tendenze risolvono un problema. L'album di ritagli strutturato, ad esempio, non è solo un'estetica: è anche un modo efficace per aggiungere tattilità e stratificazione visiva a composizioni digitali altrimenti piatte. Il minimalismo massimalista, d'altra parte, potrebbe permettere ai designer di mantenere le cose pulite e leggibili mentre iniettano personalità. Rifletti su cosa vuoi che il tuo brand comunichi e questo ti guiderà verso le tendenze più utili per te.

2. Mixa e abbina

Un grande design avviene all'incrocio di molteplici influenze. Se qualcosa è troppo puramente “in tendenza”, non sembrerà nuovo e fresco. Invece di copiare le tendenze in modo diretto, mescolale con riferimenti inaspettati. Cosa succede se combini le tonalità ad alto impatto dell'ipercolore con la struttura rigida della tipografia svizzera? O se unisci la stranezza medievale dello strano storicismo con foto che hai scattato con una macchina fotografica digitale? Il modo migliore per utilizzare le tendenze è spesso mixarle e combinarle con qualcosa di inaspettato.

3. Allinea la tendenza alla tua strategia

Non tutte le tendenze funzionano per ogni brand. Un'azienda fintech pulita e professionale potrebbe non trarre beneficio dalla natura esoterica dello strano storicismo, e un marchio di lusso tradizionale potrebbe sembrare ridicolo adottando l'estetica scarabocchio. Ma un marchio di moda che vuole rompere le norme di categoria? Una startup tecnologica che cerca di distinguersi? Potrebbero trovare qualcosa di inaspettato in queste tendenze. L'ipercolore, ad esempio, ha senso in settori dove le immagini accattivanti sono fondamentali, come il branding di cibo, bevande e sport, dove il colore audace può guidare il riconoscimento e il richiamo. La chiave è allineare le scelte di design con la strategia.

4. Rendi la tendenza tua

Il principale rischio del design guidato dalle tendenze è che può diventare generico rapidamente: non appena qualcosa si diffonde su TikTok e nei case study di branding, inizia a sembrare superato. Il modo migliore per far funzionare le tendenze per te è infonderle con la tua prospettiva.

Quali riferimenti personali, idee o influenze puoi portare in una tendenza? Come puoi sovvertirla? L'obiettivo non è mai seguire le tendenze per il gusto di farlo, ma usarle come materia prima per creare qualcosa di nuovo.